Lo que no conoces y necesitas escuchar de Los Beatles

Bienvenido al lado oculto de la banda inglesa

Durante los años sesenta surgieron múltiples ponentes interesantes que sentaron las bases de lo que conocemos como música pop y rock actualmente, entre ellos están The Doors, The Rolling Stones, The Who, The Beach Boys y The Beatles, los cuales son considerados la mejor banda de la historia. Las niñas los perseguían y gritaban cada vez que los veían presentarse, se convirtieron en una sensación y comenzaron “la invasión británica”. Eso es algo que todos sabemos, al igual que conocemos sus canciones más emblemáticas como BlackBird, I Wanna Hold Your Hand y Ticket to Ride. Sin embargo, existe una historia oculta en sus temas menos populares y que el destacado locutor Lorenzo Martínez y yo les venimos a contar, pero antes de comenzar ponte en el mood y dale play a I Feel Fine.

Till There Was You (1957)

Till There Was You es una pieza escrita por Meredith Willson para su musical de 1957, The Music Man, y que también fue versionada, con algunos arreglos latinos, por la cantante inglesa Peggy Lee en su álbum Lee ala Latin en 1959. Para ese entonces, la prima mayor de Paul, Bett Robbins, a veces cuidaba de él y su hermano, y ella llevaba sus discos a casa para escucharlos mientras hacía sus labores de niñera, donde Macca escuchó el tema por primera vez. Tanto le gustó la pista que llegó a ser parte del repertorio de The Beatles en 1962, demostrando la versatilidad de la banda que iba de las baladas al rock and roll, y también llegó a ser incluida en su segundo álbum de estudio With The Beatles.

La voz de Paul está acompañada por guitarras clásicas acústicas tocadas al estilo español por George Harrison y John Lennon sobre un ritmo de bossa nova hecho por Ringo Starr. Podríamos decir que Macca era fan de los boleros, o quizás sigue siéndolo.

In Spite of All the Danger (1958)

Antes de ser conocidos como The Beatles, los muchachos de Liverpool se hacían llamar The Quarrymen. El grupo obtuvo su nombre de la secundaria Quarry Bank, ya que Lennon y varios de sus fundadores eran alumnos de ese colegio. La alineación de la agrupación cambió varias veces antes de quedar con John Lennon y Paul McCartney en las voces y guitarra rítmica, un casi aún niño George Harrison en la guitarra líder y en los coros, John «Duff» Lowe en el piano y Colin Hanton en la batería —Ringo vendría mucho después—.

Paul le presentó por primera vez al grupo un tema propio —algo inusual en los conjuntos juveniles de la época— con el título de In Spite of All the Danger, una pieza de amor que toma mucho prestado en estructura de su ídolo Elvis Presley. Esta fue la primera vez que trabajaban en un estudio. En el Lado A grabaron un éxito de su otro ídolo Buddy Holly, That’ll Be the Day, y como Lado B realizaron este tema acreditado a Paul McCartney, quien compartió autoría con George Harrison por su solo de guitarra. El costo de la grabación fue de de 17 chelines y 6 peniques, una suma importante para adolescentes de ese entonces, y se realizó el 12 de julio de 1958, tres días antes de la muerte de la madre de Lennon. La historia de la experiencia en estudio de este tema forma parte de la película Nowhere Boy que cuenta la niñez y adolescencia de John Lennon y los primeros pasos de la banda, filme 100% recomendado.

Bésame mucho (1962)

Bésame mucho es, sin duda, un clásico de la música latinoamericana porque, ¿quién no ha escuchado esta canción? Fue escrita en 1940 por la pianista y compositora mexicana Consuelito Velázquez —quien admitió en una entrevista que compuso el tema sin saber cómo se sentía un beso ya que, según su familia, era considerado pecado— y ha sido interpretada y versionada cientos de veces por distintos artistas como Los Panchos, Luis Miguel,​ Soda Stereo, Michael Bublé, Zoé y muchos más, incluyendo a The Beatles.

La versión de los Fab Four fue una de las 14 pistas que interpretaron durante su audición en Decca Records para formar parte de dicha disquera en 1962; contrato que no consiguieron con ellos, sino con EMI.

Do You Want to Know a Secret (1963)

El primer disco de The Beatles, Please Please Me, es una joya. Un producto tradicional que contiene 14 pistas, ocho de ellas compuestas por John Lennon y Paul McCartney, demostrando en ese momento que los conjuntos de rock podían crear sus propios temas además de interpretarlos.​ Aunque la mayoría de las composiciones fueron cantadas como solistas o en dúo por Lennon y McCartney, Ringo y George también demuestran sus habilidades de su voz.

En Do You Want to Know a Secret, Harrison interpreta una letra principalmente elaborada por John inspirada en el tema I’m Wishing,​ una canción de Blancanieves y los siete enanitos de Walt Disney que la madre de Lennon, Julia Lennon, le cantaba cuando era niño. En 1980, Lennon dijo que le dio el tema a Harrison porque “sólo había tres notas en ella y él no era precisamente el mejor cantante del mundo”, agregando luego que “ha mejorado mucho desde entonces”.

I’m a Loser (1964)

Uno de sus primeros hits en la televisión fue I’m a Loser, un tema escrito por Lennon y McCartney en la época en la que se inspiraban en Bob Dylan. Cuenta con una fusión entre country, folk y rock que da como resultado una composición que a pesar de ser melancólica, es atractiva y emblemática porque captura verdaderamente la personalidad de Lennon y es el inicio de la transición a Help y Nowhere Man.

You’re Going to Lose That Girl (1965)

Durante los 60 la escritura musical estaba siendo constantemente innovada para poder encontrar nuevas maneras de contar una historia sin que sonara repetitivo o aburrido. Los Beatles siempre buscaban esas formas para implementarlas en sus propias canciones y You’re Going to Lose That Girl no fue la excepción. La idea de que fuese una narración en tercera persona vino de She Loves You de Bobby Rydell en 1963, la cual desarrollaba una conversación entre un hombre con su amigo sobre lo que él tenía que hacer para poder conservar la relación con su interés amoroso. La banda utilizó la premisa de la plática, pero le dio el giro de que uno le iba a robar la mujer a la que amaba el otro.

Este tema forma parte del segundo filme de la agrupación llamado Help! que cuenta con un disco con todas las piezas utilizadas en el producto audiovisual, el cual es una comedia que trata sobre los problemas que tienen The Beatles preparando su álbum y del conflicto que poseen al intentar salvar a Ringo de un culto y unos científicos malvados.

Nowhere Man (1965)

Durante la primera mitad de su carrera, Los Beatles le cantaban al amor y al romance. Pero para 1965 todo cambió cuando la agrupación presentó Rubber Soul, su sexto larga duración de estudio. En las pistas de este proyecto demuestran madurez como compositores, incluyen instrumentos inusuales en otras composiciones como la sitar y efectos de distorsión en el bajo, por ejemplo. Uno de los primeros sencillos de ese disco fue Nowhere Man, una de las primeras canciones de Lennon en mostrar notablemente su orientación filosófica.

Los jóvenes de los sesentas describían la copla como una respuesta al conformismo de esa generación, ya que “El hombre de cualquier lugar (Nowhere Man) es alguien que “sólo ve lo que quiere ver” (“Just sees what he wants to see”) y que “no sabe lo que se pierde” (“Don’t know what he’s missing”).

Pero Lennon no la escribió con esa idea. Según contó el propio John en una entrevista a Playboy en 1980:

Pasé cinco horas esa mañana tratando de escribir una canción que fuera significativa y buena, y finalmente me rendí y me acosté. Luego llegó de la nada Nowhere Man, palabras y música, toda la maldita cosa cuando me acosté.

McCartney dijo de la composición:

John la escribió después de una noche de fiesta, con el alba al amanecer. Creo que en ese momento, él estaba… preguntándose a dónde iba, y para ser sincero, yo también estaba empezando a preocuparme por él.

Tomorrow Never Comes (1966)

La mitad de la década de los 60 estuvo marcada por el surgimiento del movimiento hippie. Este revolución contracultural estuvo acompañada de un despertar sexual y el uso de estupefacientes como la marihuana, el LSD y los hongos, que a su vez dio paso al surgimiento de la música psicodélica. Por supuesto que John, Paul, Ringo y George también se sintieron parte de esa revolución y hasta se podría decir que fueron catalizadores de lo que ocurría a su alrededor en ese momento y lo demostraron al lanzar Revolver en 1966. John Lennon compuso Tomorrow Never Knows en enero del mismo año, inspirado por el libro The Psychedelic Experience de Timothy Leary, Richard Alpert, y Ralph Metzner (que solía leer mientras consumía  Dietilamida de ácido lisérgico), el cual, a su vez, está basado en el Libro tibetano de los muertos. El texto compara la «muerte del ego» —bajo la influencia del LSD y de otras drogas psicodélicas— con el proceso de muerte física.

En la grabación, el grupo incorporó elementos musicales que no eran convencionales en la música para ese momento como la musique concrète: una composición con contenido avant-garde y la manipulación del sonido de manera electroacústica. El uso de la guitarra en reversa marcó el primer uso de sonidos invertidos en una grabación pop. La pista ha sido considerada como una de las primeras muestras de lo que eventualmente sería la música electrónica, asimismo, es uno de los primeros tracks en utilizar el “sampling” al dirigir grabaciones hechas en cintas y otras técnicas de producción.

And Your Bird Can Sing (1966)

Mucho se habló durante los sesenta de la “rivalidad” que supuestamente existía entre The Beatles y The Rolling Stones, las dos agrupaciones más grandes de Inglaterra (y quizás del mundo) para la fecha. Y se dice que esa enemistad inspiró la letra de And Your Bird Can Sing, aunque nunca se ha confirmado. En realidad, los dos grupos eran amigos, pero rumores cuentan que Lennon veía a los Stones como imitadores. 

El término “bird” (“pájaro” en español), también significa “novia” en el inglés británico. Una teoría sobre el uso de la palabra en la canción, afirma que es una especie de “burla” de John Lennon hacia Mick Jagger, a quien le gustaba lucirse frente a su novia de ese entonces, Marianne Faithfull. Otra teoría dice que el tema hace alusión a las drogas como el LSD y la marihuana que eran consumidas por la banda en secreto. También quizás es probable que las líricas sean un intento de escribir algo parecido a los juegos de palabras de Bob Dylan, cuyas composiciones eran admiradas por Lennon. Lo cierto es que en una entrevista en los ochenta, Lennon despreció su trabajo, diciendo: “Es mía, y es una total porquería”. Pensamiento que no comparten los críticos musicales, pues ha sido considerada una de las mejores composiciones de la agrupación.

Lucy in the Sky with Diamonds (1967)

Sgt. Pepper’s Lonely Heart Club Band, es un LP conceptual conocido por poseer temas como divertidos como Fixing a Hole, Getting Better y Lucy in the Sky with Diamonds, la cual tiene muchos rumores sobre sus orígenes. El primero dice que hace referencia al LSD pues las siglas del título de la canción deletrean el acrónimo de la droga alucinógena, lo cual fue desmentido por el compositor, John Lennon. La segunda teoría desarrolla que él se inspiró en un dibujó hecho por su hijo y que el pequeño describió con el nombre del tema, esta es la versión que dicen que es verdadera. Y la última fue comentada por el mismo intérprete e indica que la idea viene de la historia de Alicia en el país de las maravillas y que trata sobre una mujer que lo viene a salvar y que él dice que se trataba de una predicción sobre la llegada de Yoko a su vida. 

Es pieza experimental e interesante que desarrolla el estilo psicodélico que fue explotado por el grupo a finales de la década de los sesenta. Juegan con sonidos del órgano Lowrey, efectos de estudio y instrumento hindú tambura, lo cual resulta en que Lucy in the Sky with Diamonds sea completamente emblemática y divertida.

Lovely Rita (1967)

Otra pieza relevante de Sgt. Pepper es Lovely Rita, la cual habla de un enamoramiento que tiene el narrador por una policía de tránsito llamada Rita. Cuentan que en realidad está inspirada en una verdadera agente cuyo nombre era Meta Davies, quien le colocó una multa a Paul McCartney afuera de los estudios Abbey Road y él lo aceptó de buena manera. La anécdota fue desmentida por el creador tiempo después en una entrevista y señaló que ese evento nunca sucedió. Sin embargo, eso no es lo que hace especial a este tema, sino el hecho de que fue trabajado con una grabadora cuatro pistas e innovaron usando otras técnicas novedosas para su tiempo, algo que la banda de rock Pink Floyd se llevó de sus visitas al estudio durante la producción del tema y que pudo implementar en su álbum debut, The Piper at the Gates of Dawn.

Penny Lane (1967)

Los orígenes son fuente de inspiración de muchos artistas, lo hemos visto en la mayoría de sus productos y Los Beatles no dejaron de hacerlo. En este tema ellos cuentan de una manera más surrealista cómo es la vida en la calle Penny Lane de Liverpool, lugar de origen de cuarteto. Sin embargo, ellos hablan específicamente de la estación de bus de la locación, donde ellos solían reunirse de jóvenes para ir al lugar que ellos quisieran. Es el primer single en no lograr ser número uno desde Please Please Me, pero eso no es indicador de que sea terrible, pues en realidad merece mucho mérito por su melodía y composición.

Birthday (1968)

Si cantar Cumpleaños feliz te parece aburrido, la próxima vez que te toque felicitar a un amigo dedícale esta canción de los Fab Four. El tema forma parte de su “álbum blanco” llamado The Beatles lanzado en 1968 y suena como un esfuerzo de regresar al al rock and roll que interpretaban en sus primeros años, aunque con un sonido hard rock como que tocaban desde Revolver. En las voces colaboraron Pattie Boyd y Yōko Ono, parejas de George Harrison y John Lennon respectivamente.

La composición fue realizada en gran parte durante una sesión de grabación en EMI Studios en septiembre de 1968 por John Lennon y Paul McCartney. “Pensamos: ‘¿Por qué no inventamos algo?’ Teníamos el riff de guitarra y organizamos todo alrededor de él. Todo se hizo la misma noche”, comentó McCartney en una entrevista. Durante la sesión, el grupo y el equipo de grabación hicieron un pequeño break y fueron hasta la casa de McCartney para ver la película The Girl Can’t Help It (un gran film que muestra la influencia del rock and roll en los Estados Unidos a finales de los cincuenta, se los recomiendo), que se proyectó por primera vez en la televisión británica.

Helter Skelter (1968)

Seguramente recordarán la famosa historia de Charles Manson, el líder del culto que hacía llamar su familia y que pensaba que Helter Skelter era un mensaje de los Fab Four para decir que en el fin del mundo, pues es todo lo contrario. La copla fue hecha para intentar experimentar con un sonido más sucio y desordenada, lo cual reflejan en sus líricas que tratan de una atracción de parque de diversiones que en Reino Unido se llama “helter skelter” y representa el sube y baja de la vida. Además, es necesario destacar que el tema es importante porque fue una influencia de los inicios del heavy metal y el punk, algo que es difícil de imaginar porque la banda no se asocia inmediatamente en nuestras mentes con dichos géneros. 

While My Guitar Gently Weeps (1968)

Esta de una de sinfonías más especiales del álbum blanco porque fue creada e interpretada por George Harrington. La idea vino durante un viaje a casa de sus padres, en el que quería utilizar la teoría del Libro de cambios chino, I Ching, dijo que lo primero que leyera en un texto sería lo primero que utilizaría en su nueva canción y de ahí sacó “gently weeps” y comenzó a trabajar. Otro elemento interesante de la historia de la producción de la pista es que contó con la colaboración no acreditada de Eric Clapton, amigo de George, quien fue el que se encargó de hacer los riffs de la guitarra principal. Como no sonaba muy del estilo del grupo realizaron una serie de mezclas para que quedara como el producto final que pueden escuchar a continuación.

Maxwell’s Silver Hammer (1969)

Todos conocemos ese famoso álbum de Los Beatles cuya portada los tiene a los cuatro cruzando una calle, es una de las fotografías más recreadas e icónicas y es de Abbey Road, el cual posee una composición que debería ser tomada en cuenta para poder comprender porqué el grupo se separó. Aunque Maxwell’s Silver Hammer fue acreditada a los dos vocalistas principales, fue escrita únicamente por Paul y cuenta la historia de un maníaco estudiante de medicina llamado Maxwell que asesina con un martillo, pero la verdadera idea es representar esos momentos en las que todas las cosas que iban bien se transforman de un momento a otro en un desastre. Tiene influencias literarias en patafísicas y avant-garde porque Macca estaba obsesionado con libros de esos géneros en el momento.

Las horas en estudio para este tema fueron unas de las detonantes de la separación de la agrupación, pues los otros miembros odiaban las canciones caprichosas de Paul porque tomaban demasiado tiempo y dinero. El perfeccionismo y la perseverancia por hacer lo que creía correcto fue un problema durante las grabaciones, en esta fue porque McCartney quería que MSH fuese un single, pero el resultado fue el contrario: solo fue una pista más en el LP.

Because (1969)

Para 1969, las cosas no estaban muy bien para el cuarteto de Liverpool. Después de las tensas y desagradables sesiones de grabación de Get Back —lanzado en 1970 como Let It Be—, McCartney le sugirió al productor musical George Martin que el grupo se reuniera e hiciera un álbum “como solíamos hacerlo”. Abbey Road es el producto de ese esfuerzo, un gran álbum que lamentablemente terminó siendo su último trabajo juntos. Las 12 pistas que conforman el LP son maravillosas, cada una de ellas destacando en varios aspectos. Pero mi favorita, sin duda, es Because. Compuesta por John Lennon —aunque fue acreditada como otra colaboración Lennon-McCartney— al escuchar a su esposa Yōko Ono interpretar en el piano el primer movimiento de la sonata para piano número 14 de Beethoven —conocida como Claro de luna—. En ese momento, él le pidió que tocara los acordes al revés y de esta secuencia de notas y acordes, inspiró la melodía principal.

Lo que más me gusta de este tema es la armonía que realizan John, Paul y George, la cual fue grabada tres veces y editada para finalmente escuchar nueve voces. También me llama la atención el uso del sintetizador Moog, de hecho es el primer tema en el que el conjunto usa uno. Este es tocado por George y se escucha luego del puente, al hacer una reinterpretación de la melodía principal con un sonido similar a trompetas.

Because  ha sido versionada en varias oportunidades por artistas como Devo, George Clinton, Al Di Meola y más. También aparece en la película Across The Universe —un musical que utiliza las canciones de la banda para contar una historia maravillosa, se los recomiendo— y en Love, una producción teatral del Cirque du Soleil que combina a Los Beatles con una interpretación interpretativa y artística basada en el circo.

Free as a Bird (1977)

Para 1995 la agrupación tenía varios años separada, pero a pesar de ello su fanaticada seguía creciendo y aumentó mucho más con el lanzamiento del proyecto Anthology; un repaso por la historia completa del grupo plasmado en documentales, libros y por supuesto, discos. Para ello, McCartney le pidió a la viuda de Lennon, Yoko Ono, material inédito de John, al que podrían contribuir él y los otros dos ex-Beatles. Free as a Bird fue una de las dos creaciones —junto con Real Love— en la que McCartney, Harrison y Starr contribuyeron con instrumentación, voces y arreglos adicionales. Le pidieron a Jeff Lynne —de Electric Light Orchestra, quien había trabajado con Harrison en su álbum Cloud Nine—que co-produjera el sencillo.

La canción se lanzó 25 años después de la ruptura de el grupo y 15 años después de la muerte de Lennon y fue un éxito rotundo, alcanzando el número dos en Reino Unido, el número tres en Suecia y el número seis en Estados Unidos. Este logro les valió algo sin precedentes en la historia de la música; se convirtieron en los primeros músicos en tener éxitos entre los primeros lugares en cuatro décadas consecutivas. Además, se llevaron el Grammy ese año a Mejor Interpretación Vocal Pop, por si fuera poco.

Free As A Bird también se promocionó con un hermoso video musical producido por Vincent Joliet y dirigido por Joe Pytka — también director del clásico de los noventa Space Jam— en el que podemos ver, desde el punto de vista de un pájaro, muchas referencias a la discografía de la banda como Strawberry Fields Forever, Penny Lane, Paperback Writer, A Day in the Life, Eleanor Rigby, Revolution y Helter Skelter.

Aunque han pasado varias décadas y existen nuevos estilos e innovaciones tecnológicas en el mundo de la música, Los Beatles siguen formando parte de nuestra vida porque nos recuerdan a otra época y cultura que se han convertido en la base de lo que consumimos actualmente. Ellos no son simplemente los hombres que hacían gritar a las niñas cada vez que cantaban, ellos son los que en cada uno de sus más de diez discos pudieron reinventarse y marcar nuestro ADN para siempre. Disfruta de sus temas y celebra con nosotros el día mundial de Los Beatles.

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